A DAMA DE FERRO [THE IRON LADY]

 

Dama de Ferro em Versão Enferrujada

por Fábio Dantas

               Margaret Tatcher foi uma das mais importantes líderes políticas do último século. Controversa, firme, tradicional, com detratores ferozes e simpatizantes ardorosos, conseguiu com mão férrea restabelecer a econimia inglesa após a Crise do Petróleo, obteve a além da vitória britânica na Guerra das Falklands, escapou de uma tentativa de assassinato, foi forte opositora da URSS, coibiu greves, apertou impostos como nunca antes, e foi chefe do governo até hoje considerado dos mais austeros do Reino Unido. Ainda assim, a A Dama de Ferro tornou-se não apenas a primeira mulher a a ser primeira-ministra do Reino Unido, como o foi por três mandatos (1979-1990), sendo seu governo o mais longevo da História do Reino Unido. Como todos os grandes líderes, teve uma carreira intensa, e naturalmente uma vida pessoal proporcional a isso. Partidários ou detratores de seu não poderiam negar sua importância indiscutível como um dos líderes políticos seminais do século XX. Bem, ao que tudo indica, todos sabem disso, exceto Phyllida Lloyd, a diretora deste A Dama de Ferro (The Iron Lady) , que quis mostrar - melhor dizer, inventar - uma Margaret Thatcher (vivida pela grande Meryl Streep) inteiramente nova e toda dela. Sim, quando vemos em uma cena repentina Dennis Thatcher (Jim Broadbent) surgindo por trás de Margaret e a assustando (e ao público também) com um apito ou língua de sogra, temso certeza do tom e do nível do que está por vir.

Margaret Thatcher em pose solene

               Uma biografia que pretenda mostrar toda a vida do seu personagem é ingênua, pois todo esse material - ainda mais de um personagem conhecido mundialmente - não poderá ser condensado com mérito em um filme de algumas horas. Então, toda biografia exige um recorte, um olhar sobre um ponto específico que será o detonador da trama que apresenta. Recentemente, esse recurso foi usado em vários filmes, como Elizabeth, de Shekhar Kapur , que trata dos anos verdes, da jovem rainha antes de tornar-se Elizabeth I, A Rainha Virgem; A Rainha (The Queen), de Stephen Frears, sobre a reação e postura de Elizabeth II diante do acidente que tirou a vida da Princesa Diana; e Invictus, de Clint Eastwood, onde o recém empossado Presidente Nelson Mandela usa o Rugby como catalisador do sentimento e identidade nacional da África do Sul. São recortes específicos, onde o personagem biografado inevitavelmente surgirá. Pois bem, o recorte - se é que assim podemos chamar - desse desastre que tenta se passar por filme chamado A Dama de Ferro, não é apenas equivocado e catastrófico, mas um acinte e desrespeito completo à figura de Thatcher, personagem que deveria retratar, parcialidades ou não à parte, no mínimo com fatos reais e comprovados.

Thatcher iniciando sua carreira no parlamento...

...e já como Ícone do Reino unido

               A Margareth Thatcher que vemos em cena é uma senhora senil e perturbada, que passa os dias discutindo com o fantasma do marido, descabelada e desmemoriada. Nada contar mostrar Thatcher idosa e já na fase da demência, mas fazer disso a tônica e o fio condutor do filme é uma opção absurda e sem sentido algum. Contudo, o fato é ainda mais grave e inexplicável, pois as mal traçadas e desconexas linhas que deveriam formar um roteiro, não são baseadas em qualquer material oficial publicado ou autorizado por Thatcher ou sua família. Ou seja, os devaneios que vemos em mais da metade do filme, são opção desse canhestro roteiro e da Sra. Phyllida Lloyd, diretora amadora que estreou com Mamma Mia!, o filme pavoroso que destruiu a excelente idéia de um filme alinhavado pelas canções do grupo sueco ABBA, e que põe atores talentosos como Meryl Streep, Colin Firth, Julie Walters e Christine Baranski em ridículo. Agora, Sra. Lloyd deu um passo mais ambicioso e decidiu esculachar e ridicularizar Margaret Thatcher impiedosamente, sem qualquer respaldo ou justificativa.

A Dama de Ferro justificando seu apelido 

            
               Sob qualquer prisma, A Dama De Ferro é um desastre cinematográfico. Com edição desconexa em idas e vindas no tempo sem ritmo e trilha sonora cafona disparando nos momentos em que pretende gritar por nossa atenção, tudo soa equivocado e fora de tom. A massaroca que supomos um dia deva ter pretendido ser um roteiro é algo pífio, mal acabado e sem continuidade, não mostrando em nada a força de Thatcher como mulher ou estadista e osconflitos que certamente surgiram do embate entre estes dois lados. Mas o roteiro-massaroca parece pensar que basta mostrar uma cena de ligações de Thatcher para o filho que mora longe para isso. Ou alternar abruptamente de uma cena em que Thatcher solta com fúria um "afunde todos" se referindo aos navios argentinos na Guerra das Malvinas e na cena seguinte escreve chorando cartas de próprio punho às mães dos soldados mortos na ação. Falar qualquer coisa mais sobre a tentativa de direção de Phyllida Lloyd seria humilhar mais ainda esta pessoa, que pode e deve procurar sucesso em sua vida pessoal e profissional em qualquer outro campo, mas não no cinema, pois é assombrosamente ruim e totalmente incapaz de traduzir em um plano sequer o que seja cinema. A atriz Alexandra Roach que interpreta a jovem Thatcher é insossa e desisteressante, mas ao menos é melhor que Harry Lloyd, que interpreta Denis Thatcher quando jovem, absolutamente pavoroso e constrangedor. A única razão para assistir esta tralha, além da qualidade da maquiagem premiada de Mark Coulier e J. Roy Helland, são os desempenhos de Meryl Streep e Jim Broadbent, como o casal central. Broadbent, do extraordinário Moulin Rouge!, de Baz Luhrmann e vencedor de um Oscar por Iris, de Richard Eyre, atinge um grande feito em mostrar talento insuspeito e profissionalismo ímpar ao conseguir defender com dignidade seu Denis, um personagem que a rigor não faz qualquer sentido. Feito notável e adimirável. Meryl Streep, atriz soberba, merece louros por fazer o mesmo com sua Margaret, com nuances impressionanates das várias fases de sua personagem, e mais ainda se considerarmos que não teve amparo algum para fazer tudo que fez, já que não conta com roteiro ou direção. Contudo, é lamentável saber que Streep ganhou seu terceiro Oscar por um filme tão ruim e por um desempenho apenas bom, mas muito aquém de outras performances excepcionais, que mereciam muito mais. Se era para dar um Oscar por qualquer filme, que dessem pelo simpático Julie & Julia, de Nora Ephron, que pode ser uma comédia leve e despretensiosa, mas ao menos é um filme de verdade. Atrizes do porte de Streep deveriam ter mais bom senso so escolher seus diretores, ainda mais se já trabalharam com estes previamente. Agora é tarde demais, seu terceiro Oscar já veio, mas com essa mancha historiográfica.

Denis e Margaret em triunfo: as performances de Jim Broadbent e Meryl Streep...

...e a maquiagem são os únicos méritos de um filme desastroso.

               A Dama de Ferro é um filme abjeto, fraco e torpe, que além de ser amador sob qualquer aspecto, ainda ridiculariza e humilha sua biografada como  poucas vezes foi visto na História do Cinema. Um filme desprezível, condizente com a máxima de que certos filmes nem deveriam ser realizados.

* Ficha Técnica no IMDb: http://www.imdb.com/title/tt1007029/

HISTÓRIAS CRUZADAS [THE HELP]

Caminhada Rumo À Dignidade

Por Fábio Dantas

               "Você é boa. Você é esperta. Você é importante." Logo no início de Histórias Cruzadas (The Help) vemos uma mulher dizendo estas palavras para uma menininha.  Palavras essenciais para o pleno desenvolvimento de uma criança, capazes de transmitir amor, auto-confiança e segurança. A mulher que as profere é Aibileen Clark (Viola Davis) e a menininha para quem são dirigidas é Mae Mobley (Eleanor Henry). Aibileen é babá de Mae e empregada doméstica de sua família. Aibileen passou sua vida cuidando das crianças de famílias brancas, enquanto mal pode cuidar de seu próprio filho. Deu além de cuidado, amor a todas estas crianças. Mas o retorno das famílias empregadoras e da sociedade não foi dos melhores. Como todas as negras, Aibileen não pode sentar no ônibus, não pode permanecer em certos recintos e não pode usar o banheiro da casa dos patrões, e sim um banheiro separado, para os negros.

Aibileen com a pequena Mae em sua antiga rotina de babá

               Skeeter Phelan (Emma Stone) é uma jovem rica sulista recém-formada que ávida por ser uam escritora séria e respeitada, pretende escrever um livro que faça diferença. Skeeter sente-se entediada, decepcionada e cansada em sua vida sulista, reprova as futilidades e vida oca de suas amigas burguesas, e mesmo algumas atitudes de sua própria família. Como todas as brancas, Skeeter deveria ser mais prendada e afeita às tarefas do lar, gastar seu tempo em chás para fofocar sobre a vida alheia e tentar agarrar um marido rico, antes que seja tarde demais e passe da idade. Skeeter, em pleno Movimento pelos Direitos Civis nos anos 60, decide escrever um livro com depoimentos das empregadas negras sobre seu trabalho para as famílias brancas.

Skeeter em sua nova rotina de escritora

               Os caminhos de Aibileen e Skeeter, duas mulheres singulares em seus meios, se cruzam quando esta pede à empregada de sua amiga que lhe de depoimentos para seu livro. Aibileen, de início reticente por represálias, acaba aceitando dividir sua história com Skeeter. E traz também as histórias de Minny Jackson (Octavia Spencer), melhor amiga de Abileen e empregada da frívola e maldosa Hilly Holbrook (Bryce Dallas Howard), figura dominadora que lidera as mulheres da vizinhança. Vários fatos em ebulição na iminente explosão dos conflitos raciais vão por em xeque a necessidade de reflexão e posicionamento por parte de cada um.

Skeeter e Aibileen selam sua parceria...

...que logo contará também com Minny.

               Os personagens de Histórias Cruzadas caminham em busca de sua identidade. Pessoas em busca da afirmação de quem são, quem querem ser e quem podem ser ou do mais próximo que podem ser de quem querem ser. Minny doma o quanto pode sua impetuosidade, é o paradoxo de ser uma mulher forte e decidida, mas sob a opressão dos patrões e do marido. Celia Foote (Jessica Chastain), mulher doce e desprezada pela elite local por ter casado com um homem rico e ser considerada excêntrica, descobre que mais importante que ser aceita, é compreender sal condição de mulher e esposa. Mesmo Hilly, em sua total falta de identidade, sendo uma mulher cruel e preconceituosa, é forçadamente a ocultar – no  acontecimento do filme, com a ajuda e o talento gastronômico de Minny – o que mais gosta de exaltar: sua (perturbada) identidade, que não poupa nem sua própria mãe Missus Walters (Sissy Spacek). Mas sobretudo, o filme trata das identidades de Skeeter e Aibillen. Skeeter se rebela para quebrar o ciclo de menina inútil que a vida sulista lhe reserva, e evitar seguir os passos de sua mãe Charlotte Phelan (Allison Janney), refém das convenções. Quando vêm à tona a história e o acontecido com sua própria babá, Constantine Jefferson (Cicely Tyson), Skeeter assume de vez a responsabilidade do livro como algo pessoal. Aibileen segue nas condições do que a vida lhe dá, ciente de sua capacidade e dignidade intocáveis, mas aprisionada sob o jugo do preconceito racial e social. Em determinada cena Mae diz para Aibileen: "Você é minha mãe de verdade, Aibi." O que só reforça todo o jogo de identidades presente no filme, mais ainda quando sabemos dos acontecimentos com o filho de Aibeleen.

Minny dando uma ajuda para a frágil Sra. Celia Foote...

e indo entregar sua torta muito especial.

               Se o roteiro de Histórias Cruzadas não é complexo e profundo o suficiente para dar conta de tantas questões importantes que acontecem com seus personagens e se a direção de Tate Taylor apenas narra os acontecimentos, sem imprimir uma marca mais forte, o grande trunfo do filme é seu elenco. Todo o grupo é extremamente coeso e ter atrizes como Sissy Spacek, Allison Janney, Cicely Tyson, Bryce Dallas Howard e Mary Steenburgen em plena forma é um mérito. Assim como atrizes que aqui tem sua primeira grande chance como a luminosa Jessica Chastain, a excelente Octavia Spencer e a estrela ascendente Emma Stone - que está no elenco do blockbuster do ano, o aguardadíssimo O Espetacular Homem-Aranha (The Amazing Spider-Man).

Aibileen fazendo-se a dignidade personificada

               Contudo, mais que qualquer outro ponto positivo do filme, o seu grande brilho, a alma e razão de ser do filme é Viola Davis e sua Aibileen, que transborda lucidez, caráter, doçura, humanidade e dignidade. Um suspiro sufocado, um gesto comedido, um olhar em silêncio de Davis é algo sem preço. É o minimalismo que brilha por mérito, com louvor. Seu valor é  incalculável.

               A caminhada de Aibileen ao final do filme é a caminhada de todos os que lutam, persistem, sobrevivem e continuam.

* Ficha Técnica no IMDb: http://www.imdb.com/title/tt1454029/

OS DESCENDENTES [THE DESCENDANTS]

Sobre Raízes e o Inexorável Ciclo da Vida

por Fábio Dantas

               Como agir diante de uma tragédia inesperada? Como reorganizar sua vida sabendo que outras vidas dependem de seu comando? Como lidar com decisões que afetarão as vidas de muitos outros? Como lidar com uma traição descoberta tardiamente? Como sufocar seu orgulho ferido e raiva em prol do que considera decente e justo? Como diante de tantos, ter clareza para compreender que em alguns momentos o que resta é resignação e perdão?

Elizabeth em seus dias de sol

Matt refletindo diante da reviravolta de sua vida

               As questões acima tornam-se simultâneas na vida de Matt King (George Clooney) quando sua mulher Elizabeth (Patricia Hastie) sofre um acidente de lancha, que a deixa em coma. Matt, advogado que sempre se dedicou ao intensamente ao trabalho, precisa cuidar, lidar e assumir por inteiro a responsabilidade sobre as filhas Alexandra (Shailene Woodley), – adolescente inquieta como todas, mas com o agravante de ter tido uma forte divergência recente com a mãe – e a pequena Scottie (Amara Miller), que por sua vez é inquieta como todas as crianças. A família mora no Hawaii, Matt descende de uma princesa da região e é o depositário e administrador de uma vasta extensão de terras que todos os parentes pensam que chegou a hora de vender, o que daria uma pequena fortuna para cada um. Diante de toda essa pressão, Alexandra conta a Matt que Elizabeth o estava traindo com um homem da vizinhança. Então, com o incentivo e ajuda de Alexandra, Matt parte com esta, a filha menor e o amigo/ficante/relacionamento indefinido de Alexandra, Sid (Nick Krause), adolescente permanentemente brisado, em uma expedição para encontrar o amante de sua mulher.

Matt, Scottie, Alexandra e Sid na sua busca pela cidade...

... e pelas praias do Hawaii.

               Em Os Descendentes, Alexander Payne faz uma elegia à decência, ao altruísmo, à resignação e ao perdão. Se Payne em toda sua carreira versa com sutileza sobre o sentimento de inadequação em determinado lugar, sobre certa ânsia por algo ainda indefinido, sobre a busca por incessante por algo quem nem sabe-se o que, aqui ela constrói sua obra máxima. Nesta a crise de seu protagonista não é apenas existencial – não que estas sejam menores, como bem sabemos –, mas imediata, repentina, vinda de um estrondo cortante na água e espuma voadora. A tragédia de Matt, Elizabeth e sua família não veio do metrô repentino de que falava Tennessee Williams, mas sim de uma lancha repentina. Sua dor é abrupta, inesperada, emudecedora, paralizante. Seus próximos passos são ditados pela decência, responsabilidade, pela ética e pela moral. E Matt tem em George Clooney seu intérprete perfeito. Como poucos, Clooney pode viver um homem dos nossos tempos,  urbano, bidimensional, cheio de questionamentos e dilemas morais e existenciais. Sua galeria inclui os já antológicos Michael Clayton do excelente Conduta de Risco (Michael Clayton) e o Ryan Bingham do extraordinário e obra-prima moderna Amor Sem Escalas (Up in the Air). Matt King só dignifica o grupo e mantém o mesmo tom, a mesma linha mestra, mas sempre com matizes novas, o que em filmes com cérebro como esses é um truinfo. Seu monólogo quase ao final diante da sua mulher na cama do hospital é um dos pontos altos de sua carreira. E Clooney encontra suporte em um elenco homogêneo e crível, com destaque absoluto para Shailene Woodley, hipnotizante e inesquecível, como a filha mais velha Alexandra, uma atriz revelação que trabalha de forma impressionante as matizes de sua personagem.

Desdendentes reunidos sob a mesma manta, sob o ciclo da vida

               Os Descendentes fala de raízes. Raízes de sangue, raízes de terra, raízes de amor. Raízes profundas, com fibras fortes, que não podem ser rompidas. Fala do inexorável ciclo da vida. Fala também de seguir adiante. De fazer o melhor possível – e o mais correto possível – diante dos golpes da vida. E fala da necessidade vital de dizer adeus. Para poder seguir adiante. Todos merecem a chance de dizer adeus.

* Ficha Técnica no IMDb: http://www.imdb.com/title/tt1033575/

MEIA-NOITE EM PARIS [MIDNIGHT IN PARIS]

Longa Jornada Encantada Meia-Noite Adentro

por Fábio Dantas

               Artistas são mágicos. São reinventores da vida, oras pelo viés da realidade, ora pelo devaneio da ilusão. Através dos séculos, criam suas obras que serão ou não legitimadas por sua qualidade, que sobreviverão ou não à pátina do tempo. Contudo, quando adentram no Olimpo dos Grandes, tornam-se eternos. Sempre discutidos, sempre amados, ás vezes detestados, mas sempre atuais e perenes. Se a eternidade entre os homens aqui na Terra não existe, os artistas são, mais que todos os grandes nomes da humanidade, os que mais perto disso chegam. O quão grandioso seria podermos reunir os grandes escritores, atores, diretores de cinema, cantores, pintores, escultores, dançarinos, os maiores Gênios Artísticos, juntos, como que encantados, em um mesmo momento?

Gil e seus novos amigos em passeio à meia-noite

    

Gil e Adriana: Poeta e Musa Inspiradora

               Woody Allen é um mágico. Trata dos mais variados temas da vida – amor, sexo, doenças, morte, destino, acaso, perdão – com um olhar único que discorre sobre nossas inquietações, aspirações, medos, inseguranças, sonhos e arroubos apaixonados. Transforma nossa realidade em um sonho de possibilidades infinitas, equlibrando como poucos realidade e sonho. Ou o sonho mais próximo do possível e a realidade mais próxima do sonho. É o que faz, sutilmente, em seu primeiro grande filme, Noivo Neurótico, Noiva Nervosa (Annie Hall), vencedor dos principais Oscars de 1977, modifica a final da peça baseada na história do filme, fazendo o casal – ele e Annie (sua Musa Diane Keaton) – ficar junto. É o que faz, antes, em mesmo disso, em Sonhos de um Sedutor (Play it again, Sam), de Herbert Ross, roteirizado por Allen e baseado em sua peça, parte de Casablanca e conta com a ajuda do astro Humphrey Bogart para conquistar sua amada (novamente Keaton). É o que faz em Zelig, ao criar um documentário fictício sobre um homem que se metamorfoseia em qualquer pessoa e interage grande vultos da História.   E é o que faz de forma mais radical em A Rosa Púrpura do Cairo (The Purple Rose of Cairo), levando a sonhadora Cecília (Mia Farrow) a viver um romance com o herói de seu filme favorito, Tom Baxter, que sai das telas para a vida real por sua causa. O quão inacreditável seria poder transitar livremente pelo universo real e pelo universo dos sonhos?

Mestres em ação: F. Scott Fitzgerald e sua Zelda

Mestres em ação: Ernest Hemingway

               Meia-Noite em Paris (Midnight in Paris) é pura mágica! Quando Gil (Owen Wilson), roteirista de sucesso no cinema, mas ainda tentando se estabelecer como escritor, viaja com sua noiva Inez (Rachel McAdams)  e com os pais desta em uma viajem a negócios para Paris, esperava apenas um breve interlúdio – possivelmente propício para inspiração, possivelmente propício para a relação com Inez -, em sua rotina. Porém, não esperava se apaixonar pela cidade-luz. Lá, diante de sua noiva fútil e chata, seus pais críticos e a cobrança para aceitar a realidade de ganhar milhões escrevendo roteiros e abrir mão do sonho de ser um romancista respeitado, Gil sente-se tão só como antes, tendo apenas o consolo de sentir-se assim agora em Paris. Em um solitário passeio noturno, Gil pega uma carona de um grupo, exatamente à meia-noite. Ele se vê trans portado para a Era Dourada da Paris de 1920. E percebe que naquele seleto grupo estão muitos dos maiores artistas da época: Francis Scott Fitzgerald (Tom Hiddleston) e sua mulher Zelda (Alison Pill), Ernest Hemingway (Corey Stoll), Cole Porter (Yves Heck), Pablo Picasso (Marcial Di Fonzo Bo), Gertrude Stein (Kathy Bates), Salvador Dalí (Adrien Brody), T.S. Eliot (David Lowe), Luis Buñuel (Adrien de Van), Henri de Toulouse-Lautrec (Vincent Menjou Cortes), Henri Matisse (Yves-Antoine Spoto), Edgard Degas (François Rostain), Joséphine Baker (Sonia Rolland) e muitos mais. Lá conhece também Adriana (Marion Cotillard), uma jovem belíssima e encantadora, amante de Picasso e depois de Hemingway. A Musa perfeita, que logo conquista o coração do escritor. Então, Gil adentra em um mundo inteiramente novo, que tanto pode ser sua última chance de encontrar a inspiração perdida para escrever como para redirecionar sua própria vida.

Gil em dois momentos: se surpreendendo ao lado de  Hemingway e Gertrude Stein...

...e conhecendo a Belle Epoque com Adriana.

          
               Magia e encantamento permeiam cada fotograma de Meia-Noite em Paris. A jornada de Gil através do tempo, dos ídolos, dos Mitos, paralela à sua jornada pessoal, como escritor e indivíduo, se dá com inteligência, charme, leveza e humor. Allen presta uma das mais belas declarações de amor que Paris já recebeu no cinema, e isso é especialmente interessante por vir de um cineasta tão americano, lendário cidadão e ícone de Nova York. A inserção dos Grandes Mestres na vida de Gil ocorre com tamanha fluência e naturalidade que logo estamos com ele naquele universo mágico. A maestria do roteiro de Allen é tamanha que, mesmo vindo do roteirista que para muitos é o mais inventivo da segunda metade do século passado, com o recorde absoluto de quatorze indicações ao Oscar, deixa todos atônitos e perguntando se pode ser real de tão perfeito. E o elenco impressionante, mesclando astros consagrados e iniciantes, dignifica cada linha, cada enquadramento, cada luz e sombra delineada pelo Maestro. Dentre tantos, destaque para a luminosa Marion Cotillard, e ainda Adrien Brody, Kathy Bates, Corey Stoll, além do protagonista Owen Wilson, que encara com louvor e brilho o personagem Alleniano que na verdade só Allen pode desempenhar. Realizar uma obra como essa aos setenta e seis anos de idade, com tanto frescor e vigor, é tarefa que apenas o maior cineasta vivo poderia executar.

               Meia-Noite em Paris é uma das mais encantadoras, simples e por isso mesmo, triunfais mágicas de Woody Allen.

* Ficha Técnica no IMDb: http://www.imdb.com/title/tt1605783/
     

De Pé Ao Lado dos Gigantes

Fábio Dantas, ao centro, e os entrevistadores Hitchcock, Capra, Anderson, Kazan e Allen

De Pé Ao Lado dos Gigantes

________________________________________________________

Cinema, a Arte do século. Que espelha, recria e modifica o mundo. Que se adapta, se transforma e reflete os novos tempos; mas nunca perde seu irresistível poder de encantamento e de linguagem universal. E de por muitas vezes inverter nossas noções de real e imaginário, de nos conferir uma vida paralela, contudo totalmente integrada com a real.

Em seu lançamento, PROJEÇÕES DIFUSAS propõe uma inversão, outra além das lentes e luzes; Fábio Dantas, Pesquisador, Historiador e Crítico de Cinema, é entrevistado por Woody Allen, Frank Capra, Alfred Hitchcock, Elia Kazan e Paul Thomas Anderson, cinco diretores referenciais no panorama cinematográfico. Durante uma tarde ensolarada de início de janeiro, em um hotel em Ipanema, eles conversam sobre os rumos da Arte e do Cinema, sobre a crítica, integridade profissional, escolhas e todas as possibilidades que os filmes tem de nos impelir adiante. Tudo moldado pelo amor comum ao cinema.

________________________________________________________

KAZAN: Antes de tudo, como você recebeu esse convite, essa proposta de inversão, do crítico virar objeto de estudo e análise pelo artista?

DANTAS: Essas propostas que subvertem o lugar comum sempre me interessam. Sempre vi a Arte e a crítica como campos mais que complementares; são quase indissociáveis. De fato, um depende do outro. E essa dependência não significa subserviência, mas é conseqüência do processo artístico. Minha formação oficial é em História da Arte, como historiador tenho plena consciência de que o objeto artístico existe além da crítica. Mas também sei que esta é imprescindível não apenas para a aproximação deste com o público, mas principalmente para a sua legitimação.

KAZAN: Poderia elaborar melhor isso? Há artistas que não falam de suas obras, assim como há críticos que sequer mergulham no objeto artístico. Como isso se aplica nesse caso?

DANTAS: Creio que em como todos os outros. Há grande Arte, feita por grandes artistas. Assim como há os medíocres, que nem sei se podemos chamar da artistas, chamemos de “artistas ruins”. Como há os bons críticos, sérios e preparados, e os críticos incompetentes. Há de tudo no mundo. O que acredito que agrave um pouco no caso do Cinema, é que a crítica cinematográfica está caindo bastante. Nunca esteve tão fraca, ao menos desde que eu acompanho.

KAZAN: Poderia elabora melhor?

DANTAS: Sim, posso. Por exemplo, aqui no Brasil temos uma crítica de teatro das mais prestigiadas, Barbara Heliodora, que também é uma das maiores especialistas em Shakespeare por aqui, além de escritora e tradutora. Ela é muito temida, tem fama de exigente, mas ela é uma crítica de verdade. Analisa de fato o objeto de seu estudo. Tem conteúdo, disseca de fato a obra. Mais importante, entende de fato do assunto. E talvez, mais importante ainda, ama aquilo que analisa e se propõe a tratar. Sem essa paixão, não creio que possa funcionar.

ALLEN: Essa declaração é perigosa e pode parecer ingênua, pois sugere que, de alguma forma, a paixão pelo assunto pode valer mais que o conhecimento e a capacidade intelectual. Nesse tempos de mídia eletrônica, de tantos “especialistas” de internet, isso é mais grave ainda.

DANTAS: Exatamente. Ambos são importantes. O equilíbrio entre ambos é que faz um bom crítico. O que quis dizer é que sem amor pelo objeto estudado não pode funcionar. Sem conhecimento, obviamente, também não. Eu particularmente prezo ambos os fatores, mas acho mais fácil alguém movido por paixão conseguir adquirir o conhecimento necessário, do que alguém com conhecimento mas que escreva sem paixão, ou que só escreva para os seus pares. Porque aí vira algo burocrático, pernóstico, estéril. E isso quando entendem. Há uma tendência em nosso mundo para uma arrogância e futilidade que me desgasta. Vemos pessoas que mal entendem de determinado assunto, mas que gostam de aparentar entender. Não entendemos de tudo. Se não entende, mais vale começar a aprender que fingir que entende.

ANDERSON: E falando dos realizadores, de quem faz cinema? Você considera que o nível também está baixo?

DANTAS: Infelizmente, tenho a impressão que o mundo todo está se nivelando por baixo. É um fenômeno – se é que podemos falar assim – lamentável e geral. Não só nas Artes, não só em cinema, mas no geral, inclusive, e mais grave ainda, nas relações pessoais. Tudo está banalizado, superficial, fácil, preguiçoso, sem coragem, sem valores, sem confiança, sem generosidade. Falando especificamente de cinema, sinto falta de uma geração mais corajosa, desbravadora. Lembremos dos anos 60, 70. Tinha tanta gente grande surgindo, fazendo coisas novas. Coppola, Scorsese, Nichols, Pollack, Spielberg, Lucas, Bogdanovich, Rafelson, Fosse. E o Sr. Allen. E muitos outros. Atualmente não vejo isso, é algo muito mais isolado e esporádico.

ANDERSON: Quem dessa nova geração você considera com real potencial?

DANTAS: Você! Você!

(risos)

ANDERSON (risos envergonhados): Obrigado, mas eu não conto, sou entrevistador hoje.

DANTAS: Absolutamente, claro que conta! Você é um dos mais geniais diretores a surgir em muito tempo; da nova geração, creio que o único que pode ser chamado de Mestre. Sua carreira é feita de filmes bem díspares, mas todos de primeira linha. Mesmo antes de estourar com “Boggie Nights”, você já tinha uma marca forte, absolutamente pessoal. Gostei muito de “Hard Eight”, com belos desempenhos de John C. Reilly e Gwyneth Paltrow. E o que dizer de “Magnólia” (“Magnolia)” e “Sangue Negro” (“There Will Be Blood”)? São dos filmes soberbos, extraordinários, seminais, exemplares máximos do melhor do cinema em suas décadas.

ALLEN (sarcástico): Ele já estava tímido de estar entre nós quatro, disse que era muito jovem, que ia se sentir deslocado. Agora então... deve estar todo suado...

(risos gerais)

HITCHCOCK: Woody, vai devagar… Depois vão dizer que você também é sádico...

ALLEN: Sádico eu? Nem poderia… Isso faz mal à saúde.

(mais risos)

ANDERSON: Mas que outros nomes você citaria? Digamos que dos últimos dez, quinze anos para cá?

DANTAS: Sempre tem gente boa aparecendo. Leva algum tempo para a carreira de um diretor se formar. E a grande maioria só realiza um novo filme a cada dois, três anos. Nunca entendi bem esse hiato tão longo. Então, você em uma década pode ter apenas três filmes. De meados da década passada para cá, alguns deixaram uma marca maior, o que talvez só possa ser plenamente dimensionado em quinze, vinte anos. Ang Lee e Peter Jackson, por exemplo, são duas grandes contribuições no cinema recente. Sabem o que querem, são coerentes, talentosíssimos e têm coragem para conduzirem suas idéias até o fim. Vai ser interessante observar suas carreiras por anos. Baz Luhurmann só por ter feito “Moulin Rouge!” já se inscreveu na História. Pena que filma pouco e deu este tropeção recente com “Austrália”. Esperemos por “The Great Gatsby”, que está mantendo nossas expectativas altíssimas. E digam o que quiserem, mas M. Night Shyamalan é um dos grandes sopros de criatividade a surgir em tempos. Contudo querem exigir dele a cada filme um filme “com virada”, com “efeito supresa”, ou seja, repetir “O Sexto Sentido” (“The Sixth Sense’) e aí não dá mesmo. Tenho certeza de que vai além dessa fase complexa e delicada que está passando. David Fincher, em sua curva de maturidade, iniciada no belo “O Curioso Caso de Benjamin Button” (“The Curiosus Case of Benjamin Button”) e plenamente concretizada no fenomenal e símbolo de seu tempo “A Rede Social” (“The Social Network”) faz-se referencia obrigatória. E Jason Reitman é um garoto muito valioso, trilhava uma carreira ascendente, mas ao fazer um filme tão espetacular e maduro como “Amor Sem Escalas” (”Up in the Air”), não pode passar despercebido e como mais um por nós. Assim como Christopher Nolan, que com “A Origem” (“Inception”), garantiu seu lugar entre os maiores. Hoje Danny Boyle, Sam Mendes e Stephen Daldry já estão mais que endossados no primeiro time, mas sempre foram interessantes. Mas existem tantos outros bons...  Alexander Payne é excelente, trabalha tão bem com matizes... Kim Ki-Duk é incrível, alguém que merece um olhar atento. Michael Haneke é sempre instigante. E Sofia Coppola, que é muito mais que o rótulo de musa indie que tentam lhe impor. Gosto também de Curtis Hanson, Alejandro Amenábar, Michel Gondry, Wong Kar Wai, Noah Baumbach, Alfonso Cuarón, Alejandro González Iñárritu, Juan José Campanella, Aki Kaurismäki, Chris Kraus. E tem os da novíssima geração, como Denis Villeneuve e Xavier Dolan. E nomes que me parecem ainda indefinidos, mas que podem deslanchar, como Marc Forster, que faz filmes muito interessantes, mas que claramente precisa definir qual é o seu caminho. Esse é o problema, muitos ficam pelo caminho. Shekar Kapur fez “Elizabeth”, Steven Zaillian fez “Lances Inocentes” (“Searcing for Bobby Fischer”), Spike Jonze “Quero Ser John Malkovich" (“Being Jonh Malkovick”) e “Adaptação” (“Adaptation”), os Wachowski fizeram aquilo tudo em “Matrix”. E depois? Ainda queremos continuidade. Mas às vezes nos surpreendemos. Charlie Kaufman era apenas o roteirista mais instigante a surgir na década. Quem poderia imaginar que faria de seu primeiro filme como diretor uma obra-prima tão complexa, única, definitiva e genial como “Sinédoque, Nova York” (“Synecdoche, New York”)?

(continua)

De Pé Ao Lado dos Gigantes (Parte II)

Fábio Dantas e os Mestres Hitchcock, Capra, Anderson, Kazan e Allen

De Pé Ao Lado dos Gigantes (Parte II)

____________________________________________________

Continuação

____________________________________________________

CAPRA: Pode nos contar mais sobre como se deu seu início em cinema?

DANTAS: Ah, foi muito cedo. Eu sempre fui uma criança meio precoce e comecei cedo mesmo, bem molequinho. Antes dos 10 anos de idade eu já via filmes clássicos nas altas madrugadas, na TV. Minha avó Helena via filmes até quase de manhã e eu via com ela. E ali, no sofá da sala, eu via os grandes clássicos. De início dublados mesmo, na TV. Eu lembro que quando vi “...E o Vento Levou” (“Gone whit the Wind”) pela primeira vez era bem novinho e adorei, adorei o filme... E assistia todos os grandes clássicos... Mas também assistia os filmes adolescentes, os blockbusters, também ia assistir “Titanic” e “Spider-Man” no cinema...  Ou seja, eu sempre quis ver de tudo, porque logo percebi que se eu quisesse entender mesmo do assunto, precisava mergulhar de verdade. Até hoje, nunca abandono um filme no meio, por pior que seja, vejo até o fim, nem que seja para saber que nunca mais precisarei ver e poderei falar mal para sempre com propriedade... (risos gerais) Quando eu entrei na adolescência, já tinha uma boa bagagem, muito além da condizente com minha idade. E o interessante é que e fui crescendo com o cinema, fui me tornando adulto com os filmes e tenho certeza que isso moldou profundamente minha personalidade. Sabem, foi algo muito interessante e acho que meio único, fui descobrindo o cinema e o mundo ao mesmo tempo... Então aí fui pesquisando mais, vendo matizes que em criança eu não percebia. Lembro que quando assisti “A Última Sessão de Cinema” (“The Last Picture Show”) de Peter Bogdanovich, pela primeira vez, achei o filme arrastado e lento, fiquei entediado. Porque eu não tinha maturidade nem apuro para compreender, afinal era muito criança. Depois, revendo, pude apreciar e compreender o grande filme que é. Talvez daí venha o prazer que tenho em rever filmes. Tem filmes que já assisti mais de dez vezes. Raros são os que eu só vi uma vez. A cada nova revisão surgem novas camadas. Até  porque somos todos seres em construção, em evolução,  e se os filmes não mudam, nós  mudamos e algumas de nossas impressões sobre eles também.

CAPRA: Você já recebeu muitas críticas por ser muito ligado ao Cinema Americano, a toda Hollywood, em detrimento das cinematografias estrangeiras e tachado de vendido e deslumbrado por Hollywood. Como lida com essas críticas?

DANTAS: Francamente, fico lisonjeado com a ligação com Hollywood. Em primeiro lugar, eu não trato o cinema não americano – ou não em língua inglesa, se consideramos o cinema inglês também – como inferior ou como se isso fosse um demérito. Isso é uma falácia debochada de pessoas superficiais e limitadas. Eu amo profundamente Grande Mestres como François Truffaut, Federico Fellini, Ingmar Bergman, Roberto Rossellini, Vittorio De Sica, Pedro Almodóvar. Truffaut, inclusive, estaria nesse grupo hoje, mas não pode estar aqui por questões de agenda. E vários dos nomes que citei anteriormente são de várias partes do mundo. O que esses leigos esquecem ou nem saber é que toda a Hollywood, assim como a nação EUA foi construída por estrangeiros, que lá encontraram uma indústria séria, que crescia e abrigava profissionais de todo o mundo que quisessem trabalhar a sério. Mesmo vocês aqui, Hitchcock é inglês, Capra é italiano e Kazan nasceu na Constantinopla, atual Turquia. E todos foram realizar uma carreira gloriosa em Hollywood, assim como os Grandes Fred Zinnemmann que é da Áustria e Billy Wilder, que é da Polônia. Como vocês sabem, muitos vieram após a Primeira Guerra Mundial, ou fugindo do Nazismo, mesmo antes da Segunda Guerra Mundial. E fizeram a Grande Hollywood, com suas mãos e sonhos. Portanto, querer conferir uma nacionalidade cinematográfica maior ou um DNA cinematográfico predominante, é no mínimo burrice e/ou desconhecimento.

Contudo, é fato inconteste que a essência – enquanto qualidade, indústria profissional, empreendedorismo, visibilidade, penetração global, influência sobre espectadores no mundo todo e mesmo quantitativo de relevância – do Cinema como o conhecemos, sempre foi e continua sendo Hollywood. Desde o início foi assim. E os leigos, se pesquisarem e estudarem o mínimo que for, saberão por que foi e é assim.

E sobre meu profundo amor, afeto e gratidão pelo cinema americano, é fato notório, do qual me orgulho muito. Foi a minha grande escola, minha formação, não apenas como homem de cinema e pesquisador, mas como ser humano.

KAZAN: E Cinema Brasileiro? Como você vê a cinematografia do país onde você vive?

DANTAS: Como de qualquer outro país, sob o prisma da qualidade e do mérito artístico.

KAZAN: Qual sua ligação e visão sobre o cinema brasileiro especificamente?

DANTAS: Tem alguns bons momentos, mas no geral sempre foi muito fraca. Nunca houve um diretor que fosse de fato – eu digo de fato, analisando imparcialmente – referência internacional. Nem atores, exceto Carmem Miranda. Mas existem ótimos trabalhos esporádicos. E está num bom momento, se começarem a tratar como profissionalismo, como uma indústria de cultura e entretenimento – que não tem necessariamente que ser algo massificante ou cruel como dizem – porém uma indústria séria, sem paternalismos ou acordões, podem crescer muito nessa boa fase, mais ainda com essa globalização.

KAZAN: Poderia citar filmes brasileiros que sejam referenciais para você?

DANTAS: Gosto muito de “Limite”, de Mario Peixoto e de “Casa de Areia”, de Andrucha Waddington. São dois filmes brilhantes, extraordinários.

KAZAN: Apenas esses dois? Poderia citar outros?

DANTAS: Não, esses dois me bastam. Ok, até existem outros. “Cental do Brasil”, de Walter Salles, também tem seus méritos.

HITCHCOCK: Bem, falemos sobre um assunto delicado: Oscar.

DANTAS: Delicado, por que?

HITCHCOCK: Bem, eles souberam preterir gênios...

(risos gerais)

DANTAS: Ah, Hitch, eu sei bem. Creia, você não ter ganho o seu em competição nas suas cinco indicações e só ter recebido um honorário é a mancha negra mais citada na História da Academia.

HITCHCOCK: Mesmo? Pelo menos sabem escolher bem suas manchas negras...

(risos gerais)

DANTAS: Sim, e o mais lamentável é que você não está só... Temos alguns grandes nunca premiados.

HITCHCOCK: Bem, daqui Anderson é o único que pode me fazer companhia... Gostaria de ser uma mancha negra, PT?

ANDERSON: Bem...

(mais risos)

DANTAS: Ai...

ALLEN: Bem, eu ganhei três, mas nem fui receber em nenhuma das duas ocasiões, preferi tocar meu clarinete... Dizem que esse ano eu posso estar na lista de novo, mas acho que não poderei comparecer...

(mais risos)

HITCHCOCK: A sério, você sempre mostrou grande interesse pelo Oscar e é conhecido como pesquisador e estudioso sobre o assunto, que é abertamente uma de suas especialidades. Como isso começou?

DANTAS: Bem, amando cinema em geral e cinema americano em particular, não havia como não estar totalmente conectado ao Oscar. O assunto é onipresente, é a referência máxima em premiação em qualquer campo. Acho que é mais conhecido até que o Nobel... (risos). Quando eu era bem molequinho comprei um livro sobre o Oscar com todos os indicados e vencedores. Era como uma rede, um filme puxava um diretor, que puxava um ator, um fotógrafo... Aí comecei a articular tudo e perceber os links. Eu já sabia que a grande Katharine Hepburn era a maior vencedora do Oscar, que tinha ganhado quatro, então sabia que o prêmio significava. E aí toda a rede se forma... As pessoas amam e atacam o Oscar. Criticam e aos mesmo tempo não resistem ao seu fascínio. Nunca esteve tão globalizada como está, reconhecendo com seu atestado filmes de várias partes do mundo e muito além da categoria de Filme Estrangeiro. Ao mesmo tempo, tem cfometido impropérios, como ao preterir o brilhante “A Rede Social” (“The Social Network”), ano passado. Ou a histórico escândalo de não premiar “O Segredo de Brokeback Mountain” (“Brokeback Mountain”), em 2005, agravado pelo motivo que todos sabemos. E em ambos os casos privilegiando filmes nitidamente menores e fracos. Mas felizmente para cada caso desses, para cada aberração como “Coração Valente” (“Braveheart”), “Rocky – Um Lutador” (“Rocky”) ou “A Volta ao Mundo em 80 Dias” (“Around the World in 80 Days”), temos muitos mais acertos que erros. São 84 anos de História, com muito mais acertos e valorização de obras-primas inesquecíveis. Não esqueçamos que a Academia é uma instituição humana – e como todas essas,  sujeita a falhas.

ALLEN: Como você vê o Cinema em tempos de tanta tecnologia e recursos técnicos que podem se sobrepor aos bons roteiros, boas performances e boas histórias. Como você lida com esses Dias de Prestidigitação?

DANTAS: Eu creio que todos os novos recursos e novas tecnologias tendem a alavancar nosso mundo. Nos levar para algo maior... O apuro de imagem, do som, o advento de novas sensações que permitam uma imersão total em uma sala de cinema é algo extraordinário. O 3D é apenas o início de toda a revolução que viveremos. Naturalmente, o deslumbre de alguns pela tecnologia é muito mais reflexo da pobreza intelectual e desse assustador fenômeno – se é que podemos chamar assim – de imbecilização coletiva que vemos hoje do que responsabilidade dos avanços técnicos. Na verdade, nada substitui o talento e o homem que arquiteta, trabalha e idealiza sua obra com os recursos técnicos disponíveis no seu tempo.

 
ALLEN: De forma muito simples e sintética, como você definiria o Cinema?

DANTAS: O Cinema é a Grande Arte do século XX. Em inovação, em registro, em capacidade de difusão e abrangência. O Cinema tem um poder de universalidade que creio que em nenhuma outra linguagem artística tenha conseguido. É quase que uma vida paralela, uma vida alternativa, algo que está gravado no inconsciente coletivo. E que é feito por pessoas apaixonadas. Não dá para dedicar sua vida a cinema se não houver paixão. Sim, apesar de ser um dos negócios – se não o negócio – mais lucrativo do mundo, é preciso paixão, dedicação, amor, pois é inconstante, e só o tempo realmente legitima uma carreira e faz com que vá além de um relâmpago momentâneo. Talvez seja esse um dos aspectos que mais me fascina – e fascina muita gente pelo mundo há mais de cem anos – no cinema: seu caráter de memória, de eternidade. Um frame de segundo em está inscrito para todo o sempre. Fica como que encantado... Eu lembro que a primeira vez que assisti “Núpcias de Escândalo” (“The Philadelphia Story”), do grande George Cukor, com meus atores favoritos Katharine Hepburn e James Stewart, fiquei totalmente êxtasiado. O filme, a direção arrojada e elegante, as performances geniais, os diálogos brilhantes e ágeis... Foi amor á primeira vista! E eu logo percebi que aquele filme era de 1940. Minha mãe nem tinha nascido. E eu estava ali, um moleque na década de 90, totalmente encantado por um filme feito há mais de cinqüenta anos. Isso é único, é mágico, é fenomenal! Esse é o poder do cinema, que sempre se renova, nas novas gerações, em pessoas que em uma dia qualquer, sem esperar, vão se apaixonar por um filme, um ator ou atriz, viajar em um grande roteiro,  se emocionar com uma bela trilha sonora ou uma deslumbrante fotografia... Experimentar percepções e sensações que sequer sabiam que poderiam... E de repente, perceberão um sorriso em seus rostos... E isso é algo que não tem preço. No fim, é tudo sobre amor.

DVD

Em breve os melhores filmes em DVD , lançamentos e antigos que merecem ser revisto e pesquisados, aqui no Projeções Difusas.

Música

Em breve os melhores destaques da música aqui no Projeções Difusas.

TV

Em breve as melhores atrações da TV aqui no Projeções Difusas.

Promoções

Em breve promoções no Projeções Difusas para os leitores que difundirem...

Contato

Talk to me